唱片评审团
2017
听崔健的摇滚交响，重燃最初的时代音符
摇滚乐和交响乐的跨界融合，在摇滚教父崔健的演绎下，如一幕史诗巨作般展开，给人最震撼的听觉享受。专辑中无论哪一首歌，都能轻易燃起摇滚辉煌时代的音符，令人感慨又停不下来！
一个北方汉子的音乐念白
说实话日常我并没有主动地听过崔老师的歌，纯碎的个人偏好问题。也请不要把我看得太高深，我只是一个带着耳朵和心听歌的普通听众，并且能说一点我自己真实感受的幸运听众。就是这样的一个我，面对崔老师的这张专辑，竟然很想一首一首的听下去不跳歌，每个词都想听清楚，我自己都有点莫名奇妙。可能是因为崔健的摇滚无法复刻，才会成为独树一帜的经典吧。对，此刻的崔健就是一个虽然有点糙汉子但不让你反感的前辈。
可能摇滚结合音乐会的形式，让我在平行的两个音乐世界里待在中间很舒服。LIVE版又将当时歌手独有的状态及动态表演酣畅淋漓的画面感完全印刻到声音中，这感觉非常棒。和我同样对前辈有偏见的宝宝们，请你试着听一下这个北方汉子的音乐念白。首推《像一把刀子》，是音乐会编曲和崔健式摇滚结合最巧妙的一首歌。不懂崔健的，这张专辑足以让你见识他是谁了。
宽容
崔健
时代的晚上
崔健
前无古人后无来者的青铜器交响曲
如果现在的摇滚都是用金属的重量来衡量，那崔健的音乐就是青铜器摇滚。他的歌声和音乐里充满了乡土气、麦秆香和红砖墙。不像当下的农业重金属一样，在乡音土语中插满了钢筋铁骨，崔健歌声里的古朴和苍凉不是现代都市孩子们能够理解和诠释的。永远忘不了白发苍苍的大学中文系教授站在讲台上对我们说，中国寻根文学的代表是莫言和崔健。莫言最终得到了中国籍作家第一个诺贝尔文学奖，而崔健也在乐坛上永久性的封神。他的歌曲无论怎么改编，只有从他的嘴里唱出来，才能触动我尘封已久的泪腺，那是一个属于苍茫时代的剑客之舞。即使演唱会加入了交响乐的元素，那也是给一个时代所做的宏大背景而已。就好像《红高粱》没有那片红色的视觉不足以带出全片的高潮，就好像《三体》如果没有叶文洁年轻时的苦难就不足以读懂人类悲剧的来源一样，如果没有崔健那深入骨髓的灵魂演唱，一切的歌曲都失去了青铜器表面那氧化铜的古绿色。中国只有一个崔健，前无古人后无来者。这就是中国人的根性，苦难中快乐着，回忆中遗憾着，老去中坚强着。他融入了《活着》的最后一幕中，一个人一头牛，孤单坚强的背影。神龟虽寿，犹有竟时。螣蛇乘雾，终为土灰。老骥伏枥，志在千里。烈士暮年，壮心不已。盈缩之期，不但在天。养怡之福，可得永年。幸甚至哉，歌以咏志。
出走
崔健
像一把刀子
崔健
崔健并不孤独
崔健是公认的摇滚教父，他的作品接地气、有力量，他表达的内容，拥有时代最陡峭的峭壁，也有平缓的人间百态。我们习惯了站在舞台中央的他，对着台下纵情接受音乐洗礼的几万观众，但这次，观众换成了交响乐团，追求个性的摇滚碰上讲求和谐的交响乐，音乐完美嫁接二者，证据就是，我们感觉到，崔健并不孤独。
说回专辑本身，把摇滚和交响乐结合在一起，老崔并不是第一个这样做的，但他是做的最霸气的。专辑一共15首歌，其中11首超过6分钟，这绝对是逆潮流，在考验听众的耐心，不过，还好他留住了听众。交响乐团的弦乐恢弘，往往本身就塑造了一个故事，配上崔健本身歌曲的表达，足够和谐，让人在想，老崔是不是有没有讲完的故事，需要借助交响乐团讲出来。可以仔细听听《假行僧》、《红旗下的蛋》这两首经典曲目的再塑造，紧凑的弦乐、号声、鼓声烘托出浓浓的悬疑氛围。
这张专辑太崔健了，奔跑者只要有力量，就不会因为任何原因停下来，因为跑道，依然是最初的样子。
假行僧
崔健
红旗下的蛋
崔健
时代音符再次点燃
崔健告诉我们，做音乐不需要那么循规蹈矩、按部就班，这次带着“摇滚乐+交响乐”为主题的跨界尝试，浓缩了崔健几十年的摇滚精华。崔健总是能用足够新鲜与经典的语汇，在这个时代带来不一样的感觉。而这次跨界的表演，把交响乐用的淋漓尽致，音乐的神奇之处就是相通的，古典与流行，爵士与嘻哈，都在这个时代得到印证。《摇滚交响音乐会》把崔健的经典的曲目，通过交响乐的形式，再次把那个时代的符号点燃，崔健的魅力就在于时代的先锋者，用冷静的态度去审视这个社会，并且在这个过程中找到平衡之处。
迷失的季节
崔健
蓝色的骨头
崔健
把摇滚变成史诗的崔健，是一种什么样的体验？
崔健的这次《摇滚交响》来看，在音乐编排上，依然还是以作品原来的摇滚结构为基础，形象一点的说明，就是摇滚乐在拉着交响乐走，交响乐更多时候还是提供一种加花、添彩的效果。
但交响乐在这张《摇滚交响》里，也不全然是打酱油。交响乐本身的属性，也决定了它在聆听效果上，赋予了崔健作品以一种更纵深的空间感，这也使得这张专辑中的许多经典，有了一种特别壮阔的史诗感。
专辑收录的15首现场作品，来自崔健个人的六张创作专辑。与专辑的版本相比，除了交响乐编曲的加入之外，崔健在节奏上也明显放慢了速度。这种音乐密度的弱化，除了能提供一种留白的效果之外，配合崔健即兴的唱腔，也有一种更突出的Shuffle效果。从Hip-Hop的角度来形容，就是崔健的Flow很特别。
当然，这次现场的合作，也并非没有在编曲上有创新，《像一把刀子》这首原本酣畅淋漓的摇滚作品，就被加入一个芭蕾舞的前奏，无关作品主题的话，这个前奏的导入，与之后原版节奏天衣无缝的契合，还真是体现出了音乐跨界的化学反应。
其实也不用过于拨高这张《摇滚交响》的意义，它很多时候就是一种对崔健音乐身份的再度厘清。都说崔健是中国摇滚教父，但他的音乐中却不单纯靠精神与愤怒。从早期《让我睡个好觉》里的唢呐，《让我在雪地上撒点野》里的古筝，到这次《摇滚交响》里的交响乐，其实就是一个音乐人，在音乐道路上不断寻找可能性的继续而已。
农村包围城市
崔健
滚动的蛋
崔健
摇滚与交响的碰撞，更崔健，更荡气回肠
虽然摇滚乐进入亚洲是很早的事情，但是摇滚文化的发展在亚洲始终与欧美有时差，西方音乐的沟壑早已经被各路大师们用自己的技术填平，不同风格甚至不同类别的音乐融合创作的先例比比皆是。这些跨越界限的合作不仅给大家提供了新鲜的作品，更打开了有着创作冲动的年轻人宽广的视野和思路。
激流金属原本在大众的心里与交响乐团本无关系，但是Metallica用不止一次的合作，让大家感受到了其中的妙趣。类似的合作还有Scorpions、Meat Loaf、KISS等，当然也少不了酷爱古典音乐的摇滚吉他大师Yngwie J Malmsteen。说到亚洲，Yngwie还与日本爱乐交响乐团合作过，红极一时的视觉摇滚乐队X japan也很积极的将交响乐元素纳入到自己的摇滚乐创作之中，让大家记忆犹新的是队长YOSHIKI与交响乐团合作的那首钢琴版《海阔天空》。而另一位吉他大师Eric Patrick Clapton和男高音帕瓦罗蒂合作的那首《Holy Mother》更像是为这类音乐的尝试唱起了圣歌。
客观的来说想法和创意永远不是稀缺资源，早期二手玫瑰乐队的主唱梁龙接受采访的时候也提到过“中国不缺乏有思想的人，缺少的是认真做事的。”交响乐与摇滚乐的合作，在噱头上具备了十足的新鲜感，很容易引发起大家的好奇心，博取眼球显得那么轻而易举。但是摇滚乐和交响乐无论是从时间线以及横向的影响力来说，无疑都是两个庞大的身躯，将这两种已经发展的比较完整成熟的音乐文化结合在一起，并非易事。这不像写一首歌，倘若没人喜欢就随他去了，这种跨度较大的尝试，往往都是非1即0的项目，搞好了掌声鲜花，搞不好便是疾风辱骂。或许正是因为这一点，反倒激发了这些崇尚“It's better to burn out than to fade away”信念的摇滚乐手们的热情。
这一点在崔健身上体现的淋漓尽致。
1989年吼出那句“一无所有”的时候，带着那个时代特有的一种情绪，让大江南北的中国人听到了一种从未有过的声音，并且也借此了解到了一种从未有过的生活方式。而如今崔健将摇滚乐与交响乐结合，又一次带我们感受到了新的音乐形式，新的试听盛宴。
在这种新模式下崔健依然倔强的选择了15首歌曲，这无疑是一个巨大的挑战。众所周知原本摇滚乐队四五个人的规模，在创作和编配的时候一首歌就需要若干天的磨合，更何况这次是接近百人的合作。可见老崔还是当年那个不服输有胆识的老崔。而且在这次歌曲的选择方面，更是显示了老崔特有的“固执”和“坚持”。第一首就是带着“去你妈的”《宽容》，在时下的大环境内，依然如此的不羁任性，一点不输给年轻时期的自己。
就像崔健说的，北京交响乐团这80多人不是来为我伴奏的，他们同样是这次表演和创作的主角，老崔并没有说错，这一点在每一首歌里面都有明显的体现。《假行僧》前奏对情绪的铺垫，《红旗下的蛋》利用交响乐团的特点营造出犹如电影配乐一样的氛围乐，让歌曲画面感十足。
在经典歌曲《一无所有》中，体现了音乐的再创作，交响乐的路线选择并没有完全服从歌曲原有的那股糙劲儿，而是选用了管弦乐递进的方式营造了很强的仪式感，让一首经典的歌曲在步入主旋律之前充满了神圣感。在崔健开始吼出“一无所有”的时候交响乐悄悄地藏起来，让人满足的沉浸在经典旋律中，然后再通过诸如大提琴等低音乐器逐渐的进入，在高潮部分合理的将主角让给吉他FUNK扫弦，在不失去原曲灵魂的前提下，增加了十足的新鲜元素。原曲在结尾处是沧桑茫然的减弱，而此次则是由交响乐烘托出辉煌灿烂的画面。
《新长征路上的摇滚》原本带给听众的感觉是那个时代特有的楞劲儿，原曲前奏的律动配合刘元吹的唢呐藏着北方年轻人的风趣和幽默，有一种挣脱了束缚之后的轻松和愉悦。本次与交响乐合作一改原曲的调调，先用军鼓有规律的敲击强调严肃认真的空气，小号带着长短音跳出来追加强调这一点，然后突然由爵士鼓改变律动的敲击，将画风突然转变，铜管乐配合着“一二 三 四”唤醒大家记忆中的《新长征路上的摇滚》，巧妙的利用了原曲与新创作之间的冷热对比，起到了动静结合的效果，让歌曲画面感十足，像老道娴熟的动画脚本，转折起伏做的恰到好处。
从当年的《一无所有》，到后来的《谁是崔健》，再到现在的《摇滚交响音乐会》，经过了时间的沉淀，崔健这杯辛辣的酒已经开始变得醇香，也让众多歌迷如痴如醉！
花房姑娘
崔健
一块红布
崔健
摇滚在交响，时代在激昂
往常我们会听到流行与交响乐的音乐会，比如曾经叱咤广场的《最炫民族风》也被搬到过交响乐的舞台，这种清奇的重现形式得到了许多人的认可，其中更是颠覆了那些原本存在偏见的人的意见。而此次崔健的《摇滚交响音乐会》则是第一次将中国摇滚深度地与交响乐融合，这种融合不单单是编曲的改编，而是整个团队从乐谱编写再到实际排练不断修改总结的成果。
对于崔健这种中国式的摇滚作品，要想将交响乐深度融入，不仅需要北京交响乐团那边的乐手们深层理解崔健的歌曲，还得重新以交响乐的思维拥抱摇滚的风格。所以你可以在《红旗下的蛋》听到管乐被充分地拆解交融，尤其是穿插的那段“大秧歌”，如果不了解的人可能不会发现，可对于50~90年代的人而言，他们都会被这清晰但又隐秘的号角，再次明确自己的音乐基因，这种深刻又警醒的音乐号角正是为了吹响我们民族的摇滚历程，也是为了觉醒我们这代人的价值观。
最后，如果你真的能听明白老崔的《摇滚交响音乐会》在表达什么，想表达什么，那么我想你应该是自崔健开拓中国摇滚以来，最懂中国摇滚的乐迷。
一无所有
崔健
最后一枪
崔健
克制也沸腾的情绪碰撞
这是七年前对于崔健来说有着特殊意义的一个现场，他回到十几年前曾经演唱过《一无所有》、《一块红布》等摇滚经典，见证他成为“中国摇滚教父”的北京工人体育馆，与他走上摇滚道路之前的北京交响乐团的同事们一起，为观众呈现了这场震撼心灵的摇滚交响。
在过往的七年中，因为“歌手”等现场歌唱节目的热播，国内的乐迷对Live有了越来越高的热情和越来越多的认知。国内很多歌手，包括曾经参加过歌手节目的张信哲、林志炫、张靓颖等也都曾发行过把流行音乐和交响乐结合的现场专辑。甚至凤凰传奇那些脍炙人口的广场舞神曲，也曾被中国爱乐乐团改编成交响乐的版本。当大众对交响跨界有了足够的认知之后，再回来听崔健的这场摇滚交响音乐会，还是觉得，老崔是与众不同的。
这场音乐会自然有过往我们所听过的那些流行交响共有的惊喜。比如《出走》和《送别》的混搭，比如在《像一把刀子》的开头我们意外的听到了《蓝色狂想曲》，比如《红旗下的蛋》明明有好莱坞电影式的紧张开场，中途我们居然听到了喜庆的东北大秧歌的变奏出场。老崔在这个交响现场里，也展现了他在初出道时被人所忽略的，摇滚曲风以外的广泛涉猎。你还可能惊讶，原来他的“Free Style”也可以这么6，而且还是这般一针见血的写实。
与这些曲风、编曲的特别之处相比，这场音乐会真正震撼人心的地方，是它的“冲撞感”和“仪式感”。头一首《宽容》里，老崔就展现出他一如既往的愤怒，在《蓝色的骨头》的说唱里，他的咬字节制，但有遮掩不住的强烈情绪。《迷失的季节》和《红先生》同样是爱情的主题，前者听来落寞，后者则有北方男人说走就走，非你不可的潇洒释放。这场《摇滚交响音乐会》的曲目，几乎涵盖了崔健整个音乐历程的所有代表作。
个体与现实的矛盾，摇滚与交响的矛盾，让听众在这个冲突的过程中，莫名的被激发出一些强烈的情绪。这情绪不同于摇滚现场手舞足蹈的释放，它奔涌在我们内心深处，但同样沸腾。
新长征路上的摇滚
崔健
红先生
崔健
不变的是那股力量
崔健《摇滚交响音乐会》这样的专辑名字足够让人觉得内容多、分量重，并引发乐迷的好奇心。崔健的名字对于许多人，包括我来说都是要仰望的，20多年前第一次听到他的音乐时，只是觉得与众不同，但是随着时间的推移，这种“不同感”慢慢变成了震撼与深刻。崔健的这张专辑中，都是精选了他历年来的金曲，单看歌名你就觉得不容错过。而摇滚乐+交响乐这样的组合，不仅仅是玩概念，那可是老崔及乐手在台上实打实的演出啊，以这样一个平台来呈现，更是一种升华与提炼。
我听完这张专辑后觉得很感动，忽然也想到20多年前，我的一个朋友为了看老崔的现场，从偏远的学校骑车进城，卖了自行车后才买得起门票，看完演出以后还兴致高昂地走回学校，我总是想到他和我说这件事时一脸幸福与感动的样子。时间不一样了，表现的形式亦不一样，但是老崔的音乐还是跨越了时间、空间给了我们有力的回应。其实抛开任何华丽的华表，老崔的音乐就是那么简单纯粹，对于我来说，能击中我内心的，就是那些歌词、旋律还有一直荡漾在舞台上的那股力量。
以摇滚的名义探试交响，以交响的名义升级摇滚
《摇滚交响音乐会》这样的专辑只能由崔健来完成。最关键原因在于，今时今日在国内摇滚圈，有如此能力，有如此担当，有如此效应的，也只有崔健。毕竟，“摇滚教父”的名号不是随便得来的。
这同步聚合名气跟责任的名头，对于崔健而言，现在更多的其实是责任。为摇滚乐呐喊若干年，崔健已然成为维持摇滚乐生命力的主将，所以，必须时刻保持先锋性才能够支撑起这种态势。此番《摇滚交响音乐会》的推出算是非常具备建设性的尝试，在这张作品，摇滚乐作为音乐的魅力尤其高亮。所以说，相比于高喊“摇滚万岁”，这种艺术层面实际的创作行为才是人间正道。完整感受过专辑，忍不住为这位“教父”打Call。
由于崔健本身的属性，这张专辑很容易就被解读为“摇滚为主，交响为辅”的作品。这种定位有所偏颇，本质上，这其实是双赢的尝试。在我看来，对于《摇滚交响音乐会》这张专辑正确的理解应当是：以摇滚的名义探试交响，以交响的名义升级摇滚。
先谈“以摇滚的名义探试交响”。这说的是从摇滚乐出发，寻找新突破口，交响乐就是被选中的出路。在这过程里实际检测的是交响乐的适配性，也就是配搭相对俗质化乐风的可能性。最终证明，交响乐的适配性相当高，跟粗糙质感的摇滚乐也能达到融合的效果。崔健摇滚作品里坚硬的部分在交响乐的柔化质感里更加具备张力与弹性，并且为交响乐注入强劲推动力。
再谈“以交响的名义升级摇滚”。崔健诸多经典经由交响乐配置的打造突显出“高级感”。这种“高级感”首先来源于艺术气质。这些原版摇滚作品强调的是“冲突”以及“对抗”，从歌词内容到曲式安排都集中在体现“反传统”。但跟庞大编制的交响乐团合作，摇滚乐被大强度降噪，其中核心部分就是旋律的调和作用。纯粹从听觉层面来衡量，此番那些经典摇滚歌曲都是趋向于“悦耳”的效果。当然，专辑的终极意义并非只停留在“悦耳”这种初级阶段。这其中存在更为宏大的效用。比如，深化崔健作品的意义。这些经典摇滚歌曲都承载着浓烈的文化意义，今次经由交响乐的烘托，更加呈现出时代感以及深刻感，从而将原作的内涵意义更加强化。再比如，强化崔健作品的艺术感。专辑里，作品的艺术感是实时在线的，这直观区别于普通摇滚作品，进阶到艺术大制作的行列。已然无法单纯从听觉层面来界定其中作品，而是要从艺术加工的角度去解读。
《摇滚交响音乐会》的核心是概念，即，“摇滚+”的概念。这种加法赋予摇滚乐无限可能，从艺术创作角度来讲，是非常迷人的组合。鉴于此番摇滚+交响良好的产出结果，未来，崔健或许会在组合方面进行更多有质量的探索。
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统筹 ｜孙腾 策划｜包子 责编｜包子
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