Therèse BRENET Premier Grand Prix de Rome Thérèse Brenet is a woman for whom Music is a second nature, which is another way of saying that it is her primary means of expression. Thérèse Brenet lives in and through her music and once one knows her a bit, it becomes very difficult to imagine her being anything other than a musician. Not because of lack of other talents, but through the well-known principal in Life which states that the only true happiness is one for which one accepts to abandon all other sources of happiness. It is a happy outcome that her listeners are able to profit from her permanant acceptance of this intellectual rule. It is for this reason that the music of Thérèse Brenet is what she is : generous, opulant without being trivial or too intellectual. When one hears her music, there is no need to have an explanatory note longer than the work itself. As a native of the region of Champagne, Ms Brenet is a daughter of the Earth, of the good Earth that bears fruit. But it would be limiting to stop the description with that, for Thérèse Brenet’s music is always strongly evocative, full of violence and poetry as well as a hidden rigor. Her overflowing inspiration is unfuttered by any compositional system or procedure. Her music has something of telluric forces which only her will can control. . These words by Jankélévitch could describe Thérèse Brenet: «For all true artists, Music is not on the same level as Life, but an enclave surrounding a secret garden, a second nature, a magical imprint similar to that which Fortune consecrates and which becomes the fictional world of Art”. Jean-Thierry Boisseau Le Livre De L’Harmonie Du Monde Symphonic Poem For this work, the composer has chosen to write three movements of an equal strength and an equal dramatic force. She leaves aside the idea of a calm slow movement which one usually finds at the center of a long work. With these three outbursts, she understands that she hasn’t chosen the easiest route and that she is transgressing the traditional rules of classical form. She knows that there is a risk that her work will bore or tire her listeners. Motivated by her inspiration, she has decided to break with the usual equilibrium, which she knows is a challenge and which she holds herself responsible, reminded of the phrase by Jean Cocteau : “It is clear that certain works haunt you, troubling your moral comfort and teach you that the best method is that of men who work outside of learned rules.” The title is inspired by the writing of Hildegarde van Bingen, who was one of the most extraordinary figures of the 12th century. A mystic who was also a doctor, a poet, a linguist and astronomer, her influence spread over all Europe. A Thing of Beauty is a Joy Forever Four Pieces for Alto Saxophone and String Orchestra I A thing of beauty... II ...is a joy forever... III ...Its lovelyness increases... IV ...it will never fall into nothingness. This piece was inspired by a poem of the same name by Keats. It was first composed in a version for saxophone and organ which was commissioned by Paul Wehage and Françoise Lévéchin-Gangloff, the organist at the Church of Saint Roch in Paris where the first performance took place on February 12, 2012. This work is not a illustration of the poem itself, but rather a sequences of reactives atmospheric elements which allow the poem and the music to dialog together, with the acquisitions in musical language of almost two centuries reacting to the language of the romantic poem. Poème de Jade For Baritone, flute and orchestra Thérèse Brenet was attracted to the Chinese poems in La Flûte de Jade by Franz Toussaint. She chose seven of these poems in a contrasting style and assembled them into a single work, striving to create an unusual orchestration which reflects this delicate, fantastic and sensual qualities of these poems. Her orchestration uses a small group of strings which are re-enforced by a harpsichord, a vibraphone, a harp and percussion, often superimposed, which serve to underline the delicate character of the poems. In addition, she uses all styles of vocal production, from whispered passages to spoken words or screams, and from singing normally to sprechgesang. The work finishes serenely with a long melody in the flute upon which the baritone repeats the last phrases of the poem in a long perdendosi. The voice and the flute slowly die away without there being a definite ending to the work, which allow the listener to imagine that the work continues, as in a waking dream. One could imagine hearing the echo of the words whispered by the baritone and the arien and luminous sounds of the flute which has lulled us as a soloist throughout the seven poems of the cycle. Perles d’Ambre Vocalise for female voice and orchestra Like a supple vine, the voice seems to unfold across the orchestra, with the warm expressive themes and shining strings, with the support of the harpsichord, the vibraphone and other percussion. Certainly, there is a coloristic note in the orchestral palette, but also a wish to combine the colors of the voice and the orchestra in different manners. Through this osmosis and through the «tempo rubato» suggested several times, by the absence of metronomic movements, the composer has tried to create music which breathes through freedom, suppleness and poetry, in the infinite spirals of beauty and love, outside of space and time. Hautes Mélodies dans le Paradis que nous avons perdu Double concerto for viola, violoncelle and orchestra I La première union avec Dieu II Glissés de comètes III Le Livre de l’Éternité As opposed to a double-concerto in the manner of Brahms, this work is a kind of intimate conversation between fellow instruments which allows the orchestra to support their dialogue. The middle section is aleatoric and allows Thérèse Brenet fully express her love of astronomy. La Nuit du Fossoyeur Lyric Poem for Baritone and Orchestra Text from the Chants de Maldoror by Lautréamont Impressed by the intensity and the violence of Lautréamont’s the Chants de Maldoror, the composer took several phrases from this book and assembled them into a kind of lyrical poem. The setting for the work is during a night of horror and nightmares. Maldoror, who is on the verge of hallucination, goes into a cemetary and speaks with the grave-digger there. All of the crosses, which are planted on the tombs like so many question marks, bring to mind the question of Human Existence. A long meditative phrase from the cellos, a bass clarinet solo and a brutal outburst from the percussion brings the gravedigger back to reality, who repeats the last phrase three times in an obsession manner Thus, in this violent and extremely contrasted work, we are reminded of Jean Cocteau’s thought : ”It must be said that certain works are haunting, upsetting your moral comfort and which teach you that the best school is that of men who live outside of learned rules”. Notes en français: Therèse BRENET Premier Grand Prix de Rome Thérèse Brenet est de ces femmes dont la musique est une seconde nature, ce qui est une façon de dire que c’est la première. Tout chez Thérèse Brenet est musique et si on la connaît un peu, on imagine difficilement qu’elle eût pu être autre chose que musicienne. Non par défaut d’autres talents, mais en vertu du principe bien connu que la vie fait que le seul vrai bonheur est celui pour lequel on abandonne les autres. Ce sont et c’est heureux ses auditeurs qui profitent du règlement permanent de cette gestion interne. C’est pour ça que la musique de Brenet est ce qu’elle est : généreuse, opulente, sans être jamais bavarde ni absconse. Pas besoin lorsqu’on entend une oeuvre d’elle de devoir s’alourdir d’un texte explicatif plus long que l’oeuvre elle même. Brenet est, en bonne champenoise, une fille de la terre, de la bonne terre qui porte et donne des fruits. Mais ce serait bien réducteur que de s’arrêter là. La musique de Brenet est tout simplement toujours, à chaque instant, inspirée, pleine de violence et de poésie mais aussi de rigueur masquée. Aucune procédure d’écriture, aucun choix esthétique fût-il simple effet momentané de mode ne vient freiner ou exalter gratuitement le jaillissement irrépressible de cette inspiration. La musique de Brenet a quelque chose de tellurique que seul son bon vouloir contrôle. On peut appliquer à Brenet ce propos de Jankélévitch : «Pour tous les vrais artistes, la musique n’est pas de plain-pied avec la vie, mais elle y circonscrit au contraire un jardin clos, une seconde nature, une enceinte magique semblable à celle que l’augure consacrait et qui devient le monde fictif de l’art”. Jean-Thierry Boisseau Le Livre De L’Harmonie Du Monde Poème symphonique I Le cantique de l’Univers II Vents solaires III Expansion Pour cette oeuvre, le compositeur a choisi d’écrire trois mouvements d’une égale force et d’une égale intensité dramatique. Elle renonce ainsi au traditionnel mouvement lent et apaisé que l’on trouve généralement au centre d’une oeuvre. Avec ces trois fulgurances, elle sait qu’elle n’a pas pris la solution de facilité, elle sait qu’elle a transgressé les règles et les traditions, elle sait qu’elle prend le risque de lasser, voire d’épuiser l’auditeur. Poussée par son inspiration, elle a décidé de rompre avec l’équilibre habituel ; elle est consciente de ce que c’est un défi et elle l’assume entièrement, pensant une fois encore à la belle phrase de Jean COCTEAU : “Il importe que certaines oeuvres vous hantent, bousculent votre confort moral et vous enseignent que la meilleure école est celle des hommes qui règnent en marge des règles apprises.” Le titre est inspiré par un des écrits d’Hildegarde de BINGEN qui fut l’une des figures les plus extraordinaires du XIIème siècle. Cette mystique qui fut en même temps musicienne, poète, linguiste, médecin et astronome, étendit son influence sur toute l’Europe. A Thing of Beauty is a Joy Forever Quatre pièces pour saxophone alto et orchestre à cordes I A thing of beauty... II ...is a joy forever... III ...Its lovelyness increases... IV ...it will never fall into nothingness. Cette pièce est inspirée du poème homonyme de Keats. Elle a été composée à l’origine pour saxophone et orgue et commanditée par le saxophoniste Paul Wehage et Françoise Levéchin-Gangloff organiste titulaire de l’église Saint Roch à Paris où eut lieu la création le 12 février 2012. Il ne s’agit pas d’une illustration vers par vers de ce poème, mais d’une correspondance d’états de sensibilités entre une oeuvre littéraire romantique et la musique qu’elle inspire plus d’un siècle et demi plus tard, avec les moyens, les acquisitions d’un des langages musicaux du XX° siècle. Poème de Jade Pour baryton, flûte et orchestre Thérèse Brenet a été séduite par les poèmes d’inspiration chinoise de La Flûte de Jade de Franz Toussaint. Elle en a choisi sept, particulièrement poétiques et contrastés et les a assemblés en une seule oeuvre, en recherchant dans son orchestration des sonorités rares, en harmonie avec la délicatesse, la fantaisie et la sensualité qui émanent des poèmes. On retrouve donc, dans son orchestration une toute petite formation de cordes sur laquelle viennent se greffer un clavecin, un vibraphone, une harpe et une percussion, souvent superposés, qui mettent en valeur le caractère délicat des poèmes. Elle crée ainsi des couleurs orchestrales d’une saveur particulière De plus, elle emploie toutes les techniques que peut apporter la voix de baryton allant du murmuré au parlé ou au crié et du simple chant au sprechgesang. L’oeuvre s’achève dans la sérénité avec un très long chant de la flûte sur lequel le baryton répète longuement les dernières phrases du poème, dans un perdendosi, de plus en plus impressionnant, la voix et la flûte s’estompant peu à peu sans qu’il y ait véritablement l’impression d’une fin qui nousempêcherait de prolonger l’ambiance, comme dans un rêve éveillé... En fait, l’oeuvre ne se termine pas et, dans le silence, l’on croit encore entendre l’écho du texte murmuré par le baryton et le son lumineux et aérien de la flûte qui nous a bercés et souvent accompagnés en soliste tout au long des sept poèmes. Perles d’Ambre Vocalise pour voix de femme et orchestre Comme une liane souple et fluctuante, la voix semble s’enrouler sautour de l’orchestre, dont le matériau est tantôt chaud, expressif, avec les cordes tantôt scintillantes, auxquelles s’ajoutte le clavecin, le vibraphone et la percussion. Une recherche de couleur dans la palette orchestrale, certes, mais aussi une volonté de mettre en osmose le timbre de la voix de femme et cet orchestre aux diverses facettes. Par cette osmose et par le «tempo rubato» plusieurs fois suggéré, par l’absence d’indications de mouvements métronomiques, le compositeur a recherché la liberté, la souplesse et toute la poésie d’une musique qui respire... dans les spirales infinies de la beauté et de l’amour, au delà de l’espace et du temps. Ces Hautes Mélodies dans le Paradis que nous avons perdu Double concerto pour violon-alto violoncelle et orchestre I La première union avec Dieu II Glissés de comètes III Le Livre de l’Éternité Il ne s’agit pas d’un double concerto à la manière de Brahms mais d’une sorte de conversation intime entre les instruments frères prenant l’orchestre à témoin... La partie centrale de l’oeuvre est aléatoire, et fait la part belle à la poésie de l’astronomie à laquelle Thérèse Brenet est particulièrement sensible et fait souvent référence. La Nuit du Fossoyeur Poème Lyrique pour Baryton et Orchestre Texte extrait des Chants de Maldoror de Lautréamont Impressionnée par l’intensité dramatique et la violence des Chants de Maldoror de Lautréamont, l’auteur a extrait de ce livre quelques phrases et les a rassemblées en une sorte de poème lyrique. L’action se déroule durant une nuit d’épouvante et de cauchemar. Maldoror, au bord de l’hallucination, pénètre dans un cimetière et converse avec le fossoyeur ; toutes les croix, plantées comme autant de points d’interrogation, leur posent le problème de la destinée humaine. Une grande phrase méditative aux violoncelles, un solo de clarinette basse, une percussion brutale ramènent à la réalité le fossoyeur qui, dans un murmure, répète trois fois la dernière phrase comme une obsession. Celui qui ne sait pas pleurer car il a toujours refoulé la souffrance au dedans N’est-ce pas fossoyeur que tu voudras causer avec moi ? Il y a longtemps que les rayons de la lune font briller les marbres des tombeaux. C’est l’heure silencieuse où plus d’un être humain rêve qu’il voit apparaître des femmes enchaînées, traînant leurs linceuls couverts de taches de sang, comme un ciel noir d’étoiles. Celui qui dort pousse des gémissements pareils à ceux d’un condamné à mort, jusqu’à ce qu’il se réveille et s’aperçoive que la réalité est trois fois pire que le rêve. N’est-ce pas, fossoyeur, que tu voudras causer avec moi? Fossoyeur, pourquoi pleures-tu? Pourquoi ces larmes pareilles à celles d’une femme? Arrête-toi dans ton travail. L’émotion t’enlève tes forces. Tu me parais faible comme le roseau! Comment veux-tu, Étranger, que la pioche remue cette terre, qui d’abord nous nourrit lorsque celui qui tient la pioche de ses tremblantes mains, après avoir toute la journée palpé convulsivement les joues des anciens vivants, voit le soir, devant lui, écrit en lettres de flamme, sur chaque croix de bois, l’énoncé du problème effrayant que l’humanité n’a pas encore résolu? Je dois finir de creuser cette fosse avec ma bêche infatigable, afin qu’elle soit prête demain matin. Je dois finir de creuser cette fosse avec ma bêche infatigable... Je dois finir de creuser cette fosse... Extraits des Chants de Maldoror de Lautrémont Art poétique, Paul Verlaine De la musique avant toute chose, Et pour cela préfère l’Impair Plus vague et plus soluble dans l’air, Sans rien en lui qui pèse ou qui pose... Car nous voulons la Nuance encor, Pas la Couleur, rien que la nuance ! Oh ! la nuance seule fiance Le rêve au rêve et la flûte au cor ! Artist biographies/biographies des artistes : Paul Wehage, Chef d’orchestre, Saxophoniste Après des études musicales complètes à l’Université d’ Austin ( Texas ), Paul Wehage est venu en France achever sa formation de saxophoniste au CNSM de Paris où il a obtenu un premier prix en 1990. Ce séjour qui devait être momentané s’est prolongé, puisqu’il se partage désormais entre les États-Unis et la France et ce parce que, lors de ses études à Paris, il s’est plus que bien d’autres de ses concitoyens passionné pour la musique française, et pas seulement celle composée pour son instrument. Sa rencontre avec la musique de l’entre deux guerres lui a fait consacrer une grande partie de sa carrière à la découverte ou à la redécouverte de compositeurs disparus et un peu laissés pour compte, telle Pierre Vellones et Germaine Tailleferre dont il a «exhumé» un certain nombre d’oeuvres, celles pour deux pianos, et en particulier le concerto pour deux pianos, choeur et quatuor de saxophones dont l’enregistrement réalisé grace à sa ténacité et à son sens de la découverte a été couronée par une mention «Cinq Étoiles» dans le «BBC Music Magazine». Ses rencontres avec Jean Françaix et avec Antoine Tisné ont été décisives et sont le reflet de son éclectisme. L’un et l’autre de ces compositeurs pourtant si différents ont composé ou adapté à son intention . D’autres jeunes compositeurs écrivent à son intention, tels Joseph-François Kremer- Marietti, Pascale Jakubowski, Carson Cooman, Jean-Thierry Boisseau etc. Paul Wehage s’est fait porte-parole de la musique française de notre siècle à l’étranger et ce, sans autre exclusive que celle de la qualité. Il inclue systématiquement des pièces de compositeurs français dans ses programmations et participe régulièrement à la création d’oeuvres dont il est, ou le commanditaire, ou au moins l’initiateur ( à titre d’exemple : Offertorium pour Chartres d’Antoine Tisné pour Quatuor à cordes et Saxophone, oeuvre créée le 7 novembre 1998 en la Cathédrale de Chartres avec le Quatuor de Chartres). Son travail avec Thérèse Brenet, en plus de ce CD, est riche de créations («A Thing of Beauty», «Le Visionnaire», «Prélude et Chaconne», etc) et d’autres projets. Depuis peu, le travail du Compositeur et de Chef d’Orchestre prend de la plus en plus d’importance dans sa vie musicale. Son travail sur l’enregistrement des Suites pour Violoncelle de J. S. Bach a donné naissance à l’oeuvre «Responsio», Six Suites pour Saxophone Seul qui est l’aboutissement de ce grand travail de plusieurs années. Sa vie à Lagny-sur-Marne a inspiré une série d’oeuvres avec notamment la Suite Latignacienne pour Orgue, écrite pour L’Organiste Américain Carson Cooman et les Palissades Mystérieuses (Thème et Sept Variations) pour Saxophone et Piano, inspirée par un thème écrite sur le mur du chantier des nouveaux locaux culturels de la ville de Lagny. Sa création la plus récente a été La Maladie de La Mort, d’après Marguerite Duras pour récitante, saxophone et quatuor à cordes. Paul Wehage, Conductor, Saxophonist After completing his education at the University of Texas at Austin, Paul Wehage came to France to complete his study at the Paris Conservatory of Music where he received his First Prize in 1990. He remained in Paris after this time to present programs of American Music for the Jeunesses Musical de France and for concerts organized through Europe for music festivals, cultural series, radio and television. He also became passionately interested in French music, through his study of music written at the beginning of the 20th century. His study of this rich musical heritage lead to the rediscovery of many works by composers such as Pierre Vellones, Manuel Rosenthal and Germaine Tailleferre through recordings, concerts, publications through his music publishing house and presentations during masterclasses. His long collaboration with Thérèse Brenet has lead to a series of new works and other such projects, including (in addition to this CD) premières and a CD of recent chamber music by Brenet. His work with the French composers Jean Françaix and Antoine Tisné lead to a series of works by each of these composers, including operas, chamber music, and shorter works. Other younger composers were inspired to begin writing works especially for him, including Pascale Jakubowski, Gian-Paolo Chiti, Jeffrey Stolet, Jean-Thierry Boisseau and Joseph- François Kremer, to name only a few. Currently, his work is centered around the promotion of these works through recordings, publications and concerts throughout the World. His work as composer and conductor is strongly influenced by his experience as a performer. After arranging and recording the cello suites of J.S. Bach he composed «Responsio», Six Suites for Saxophone Solo to complete his reflection on Bach’s monumental work. The City of Lagnysur- Marne has also inspired a series of works including the Suite Latignacienne for Organ, written for the American Organist Carson Cooman and Les Pallisades Mystérieuses (Theme and Seven Variations) for Saxophone and Piano, inspired by a theme written on the walls surrounding the construction site of the new cultural center in Lagny. His most recent première was for his music- theater work «La Maladie de la Mort», on the text by Marguerite Duras for narrator, alto saxophone and string quartet. Eric Zorgniotti, violoncelliste, chef d’orchestre Eric Zorgniotti fait ses débuts en tant que soliste dès l’âge de 15 ans en interprétant les concertos pour violoncelle et orchestre de Saint-Saëns et Boccherini avec l’Orchestre Régional de Cannes-Provence-Alpes-Côte-d’Azur et le Baden-Baden Jugendorchester sous la direction de Philippe Bender et Karl Nagel. Quelques années plus tard il est sélectionné par la Fondation Princesse Grace de Monaco afin de participer au Festival de Musique d’Aspen aux Etats-Unis. Maestro Lawrence Foster le nomme alors violoncelle solo de l’Orchestre de l’Opéra du Festival d’Aspen. Elève de Jean-Marie Gamard, Eric Zorgniotti obtient en 2000 un Premier Prix de Violoncelle et de Musique de Chambre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. A l’occasion de nombreux festivals (Cervo, Festival Pablo Casals de Prades, etc.) il se perfectionne aux côtés de grands maîtres du violoncelle tels que David Geringas, Philippe Muller, David Finckel et Arto Noras. De 2007 à 2008 Eric Zorgniotti est le violoncelliste de l’Ensemble Nymphéas avec lequel il enregistre un disque dédié aux quintettes à cordes de Beethoven, Svendsen et Britten. Il fonde l’ensemble Paris Virtuosi en 2009. Eric Zorgniotti joue sur un violoncelle italien fait à Naples en 1750. Eric Zorgniotti, violoncellist, conductor French-born cellist Eric Zorgniotti made his solo debut at age 15 performing cello concertos by Saint-Saëns and Boccherini with the Orchestre de Cannes and Baden-Baden Jugendorchester under the baton of Philippe Bender et Karl Nagel. A fellowship recipient granted by The Princess Grace Foundation of Monaco, Eric Zorgniotti was invited to participate in the Aspen Music Festival (Colorado) where maestro Lawrence Foster appointed him principal cello of the Aspen Music Festival Opera Orchestra. A student of Jean-Marie Gamard at the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, Eric Zorgniotti was awarded the 1st Prize in 2000 as both soloist and chamber musician. He continued his studies under the guidance and mentoring of renowned cello pedagogues David Geringas, Philippe Muller, David Finckel and Arto Noras, appearing at numerous music festivals (Cervo, Festival Pablo Casals of Prades...) and masterclasses. From 2007 to 2008 Eric Zorgniotti was the violoncellist of the Ensemble Nymphéas with whom he recorded a CD of the string quintettes of Beethoven, Svendsen and Britten. Eric Zorgniotti plays an Italian violoncello made in Naples in 1750. Orchestre Symphonique National de la Radio Polonaise L’OSNRP est l’ambassadeur de la culture polonaise sur la scène musicale internationale. L’Ensemble s’est produit en concerts à Bruxelles (Europalia), Vienne (‘l’ouverture de l’année polonaise en Autriche), Madrid (concert de gala pour l’année polonaise en Espagne), Rome (la célébration du 70 ème anniversaire de H.M. Górecki), Kiev (début de l’année polonaise en l’Ukraine), Paris (concert de gala de l’année polonaise en France), et à Londres (début de l’année polonaise en Grande Bretagne). L’Orchestre a collaboré avec quelques uns des plus grands compositeurs de la deuxième moitié du 20ème siècle : Witold Lutosławski, Henryk Mikołaj Górecki et Krzysztof Penderecki, assurant les créations de leurs oeuvres parmi les plus importantes . L’OSNRP a été fondé en 1935 à Varsovie par Grzegorz Fitelberg qui en est resté chef jusqu’au début de la Deuxième Guerre Mondiale. En 1945, l’Orchestre est re-formé à Katowice par Witold Rowicki. En 1947, Fitelberg reprend le poste de directeur artistique. Après son décès en 1953, l’Orchestre a été dirigé par une succession ininterrompue de chefs : Jan Krenz, Bohdan Wodiczko, Kazimierz Kord, Tadeusz Strugała, Jerzy Maksymiuk, Stanisław Wisłocki, Jacek Kaspszyk, Antoni Wit, Gabriel Chmura et, une fois encore, Jacek Kaspszyk. En septembre 2000, Joanna Wnuk-Nazarowa en devient Directrice Générale et de la programmation . Depuis 2009, le poste du Chef Associé a été confié à Michał Klauza. Stanisław Skrowaczewski est le premier chef invité de la OSNRP, Jan Krenz chef honoraire, et Jerzy Semkow devient le consultant artistique. Le 31 août, 2012, Alexander Liebreich devient le directeur artistique et directeur musical de l’OSNRP. A coté de nombreux enregistrements pour la Radio Polonaise, l’Orchestre a enregistré plus de 200 CD pour les maisons de disques les plus prestigeuses, Decca, EMI, Philips, Chandos et Naxos. L’OSNRP a été honoré de plusieurs prix pour sa discographie, y compris un Diapason d’Or et le Grand Prix du Disque de la Nouvelle Académie du Disque, Le Cannes Classical Award, et le Midem Classical Award. La plupart des plus grands chefs d’orchestres et solistes ont collaboré avec l’OSNRP dont Martha Argerich, Boris Belkin, Leonard Bernstein, Rudolf Buchbinder, James Conlon, Placido Domingo, Pierre Fournier, Nicolai Gedda, Barbara Hendricks, Julius Katchen, Leonidas Kavakos, Wilhelm Kempff, Paweł Klecki, Kirill Kondrashin, Marguerite Long, Witold Lutosławski, Charles Mackerras, Mischa Maisky, Neville Marriner, Kurt Masur, Shlomo Mintz, Ivan Monighetti, Garrick Ohlsson, Kun Woo Paik, Krzysztof Penderecki, Maurizio Pollini, Hermann Prey, Ruggiero Ricci, Mstislav Rostropovich, Artur Rubinstein, Jerzy Semkow, Stanisław Skrowaczewski, Leonard Slatkin, Isaac Stern, Henryk Szeryng, Yan Pascal Tortelier, Pieter Wispelwey, Krystian Zimerman, et Nicolai Znaider. L’Orchestre a donné des concerts dans presque toutes les pays européens, en Amérique, ainsi qu’au Japon, à Hong Kong, en Chine, en Australie, en Nouvelle Zélande, Corée, Taiwan et dans le Golfe Persique. Au cours des saisons précédantes, l’OSNRP a monté plusieurs projets qui ont connu une grande réussite critique et populaire (Un Marathon des oeuvres de Górecki, The Liking to Kilar’s Music, Musical Voyage (deux éditions), Le festival Górecki•Penderecki – pour marquer le 75me anniversaire de ces compositeurs). Depuis 2005, L’OSNPR a été l’intigateur d’un festival biennial pour présenter des créatioins mondiales des compositeurs polonais. Le 1 octobre, 2014, L’Orchestre a inauguré sa nouvelle salle, une création de Konior Studio à Katowice avec un environnement acoustique signé Nagata Acoustics. Polish National Radio Symphony Oochestra in Katowice The PNRSO fulfils the role of an ambassador of Polish culture on the international artistic scene. The ensemble has performed in Brussels (Europalia), Vienna (the opening of the Polish Year in Austria), Madrid (the gala concert of the Polish year in Spain), Rome (the celebration of the 70th anniversary of H.M. Górecki’s birthday), Kiev (the inauguration of the Polish Year in Ukraine), Paris (the gala concert of the New Poland Polish Year in France), and in London (the inauguration of the Polish year in Great Britain). The Orchestra has collaborated with some of the greatest composers of the second half of the 20th century: Witold Lutosławski, Henryk Mikołaj Górecki and Krzysztof Penderecki, delivering the first performances of their works. The PNRSO was founded in 1935 in Warsaw by Grzegorz Fitelberg who led it until the outbreak of World War II. In 1945, the orchestra was revived in Katowice by Witold Rowicki. In 1947, the post of the artistic director was taken again by Fitelberg. After his death in 1953, the orchestra was headed in succession by Jan Krenz, Bohdan Wodiczko, Kazimierz Kord, Tadeusz Strugała, Jerzy Maksymiuk, Stanisław Wisłocki, Jacek Kaspszyk, Antoni Wit, Gabriel Chmura and, once again, by Jacek Kaspszyk. In September 2000, Joanna Wnuk-Nazarowa became the institution’s General and Programme Director. Since 2009, the post of the Associate Conductor has been entrusted to Michał Klauza. Stanisław Skrowaczewski is the first Guest Conductor of the PNRSO, Jan Krenz is a Honorary Conductor, and Jerzy Semkow holds the position of the Artistic Advisor. On the 31st of August 2012, Alexander Liebreich became the Artistic Director and Chief Conductor of the PNRSO. Apart from making archival recordings for the Polish Radio, the Orchestra has recorded more than 200 CD albums for many renowned record companies (including Decca, EMI, Philips, Chandos, and Naxos). The PNRSO was honoured with numerous awards for its phonographic achievements, including Diapason d’Or and Grand Prix du Disque de la Nouvelle Académie du Disque, the Cannes Classical Award, and the Midem Classical Award. Many renowned conductors and soloists have performed with the PNRSO, including Martha Argerich, Boris Belkin, Leonard Bernstein, Rudolf Buchbinder, James Conlon, Placido Domingo, Pierre Fournier, Nicolai Gedda, Barbara Hendricks, Julius Katchen, Leonidas Kavakos, Wilhelm Kempff, Paweł Klecki, Kirill Kondrashin, Marguerite Long, Witold Lutosławski, Charles Mackerras, Mischa Maisky, Neville Marriner, Kurt Masur, Shlomo Mintz, Ivan Monighetti, Garrick Ohlsson, Kun Woo Paik, Krzysztof Penderecki, Maurizio Pollini, Hermann Prey, Ruggiero Ricci, Mstislav Rostropovich, Artur Rubinstein, Jerzy Semkow, Stanisław Skrowaczewski, Leonard Slatkin, Isaac Stern, Henryk Szeryng, Yan Pascal Tortelier, Pieter Wispelwey, Krystian Zimerman, and Nicolai Znaider. The Orchestra has performed in nearly all the European countries, in the Americas, as well as in Japan, Hong Kong, China, Australia, New Zealand, Korea, Taiwan and in the Persian Gulf countries. In the recent years, the PNRSO has implemented some spectacular projects which have been very well received by audiences and reviewers alike (The Marathon of Górecki’s Works, The Liking to Kilar’s Music, Musical Voyage (two editions), The Górecki•Penderecki Festival – in celebration of the 75th anniversary of the artist’s birth). Since 2005, the PNRSO has been the organiser of the biennial event called The Festival of World Premieres - Polish Modern Music. On the 1st of October 2014, the PNRSO inaugurated the artistic season in its new seat. The author of the architectonic project is Konior Studio from Katowice and the concert hall acoustics have been designed by Nagata Acoustics. Aurélie Deschamps, Alto Née en 1984, Aurélie Deschamps commence l’étude du violon dès l’âge de 3 ans et poursuit son cursus musical en alto en 2002. Premier Grand Prix de la ville de Marseille et Prix Tomasi, elle est récompensée au CNR de Marseille de quatre Premiers Prix à l’unanimité (violon, alto, formation musicale, musique de chambre) et parallèlement au CNR de Paris dans la classe de Tasso Adamopoulos d’un Premier Prix d’alto à l’unanimité. Au CNSMDP de Paris, elle obtient un Prix d’alto à l’unanimité et suit un cycle de perfectionnement soliste dans la classe de Pierre-Henri Xuereb. Elle a obtenu en 2005, dans la catégorie musique de chambre, le Prix d’honneur Léopold Bellan à Paris et en 2006 le Premier Prix du Concours TIM -Tournoi international de Musique à Rome. En 2008, elle enregistre le Concerto de Bartôk avec l’Orchestre des Lauréats du Conservatoire de Paris. En 2009-2010, elle participe aux Musicales à Bagatelle (Paris), au Festival de Musique de chambre de Khumo (Finlande), au Festival de Giverny, le Festival Jeunes Solistes à Vitrolles, le Festival en Pays de Gex, le Festival d’Alcobaça au Portugal . Aurélie Deschamps travaille régulièrement avec les ensembles Dissonance, Les Voyages Extraordinaires et les orchestres Opéra de Paris, Philharmonique de Radio France, Orchestre de Paris, de Bretagne, et celui de l’Opéra de Strasbourg où elle est appelée en tant que alto co-solo... Elle est lauréate de la Fondation Groupe Banque Populaire Natixis et a obtenu une bourse de la Fondation Meyer. Elle joue un archet Sartory et un alto du Maître luthier René Garmy. Aurélie Deschamps, Viola Born in 1984, Aurélie Deschamps began studying the violin at the age of 3, beginning to play the viola in 2002. First Grand Prix of the City of Marseille and winner of the Tomasi prize, she received four First prizes at the Marseilles Conservatory (in violin, viola, solfeggio and chamber music), while also studying at the Paris Regional Conservatory with Tasso Adamopoulos where she received a first prize in Viola. At the Paris conservatory, she received a unanimous First Prize and entered the post-graudate soloist cycle in the class of Pierre-Henri Xuereb. In 2005, she won the Honor Prize in the Léopold Bellan competition (in chamber music) and in 2006 the first prize of the TIM -Tournoi international de Musique Competition in Rome. In 2008, she recorded the Bartok Concerto with the Orchestre des Lauréats du Conservatoire de Paris. In 2009-2010, she was invited to play at several festivals : Musicales à Bagatelle (Paris), at the Khumo Chamber Music Festival (Finland), at the Giverny Festival, Festival de Musique de chambre de Khumo (Finlande), the Festival Jeunes Solistes in Vitrolles, the Alcobaça Festival in Portugal .Aurélie Deschamps plays frequently with many ensembles, including the ensemble Dissonance, Les Voyages Extraordinaires and the Philharmonique of Radio France, the Paris Opera Orchestra, the Orchestre de Paris, The Orchestre de Bretagne and the Strasbourg Opera Orchestra where she is the co-principal violist. She has received grants from the Banque Populaire Natixis foundation and also from the Meyer foundation. She plays a Sartory bow and a viola made by the Master instrument maker René Garmy. Isaure Equilbey, mezzosoprano Après des études de piano à la Schola Cantorum, Isaure Equilbey aborde l’Art Lyrique dans la classe de Robert Dumé puis continue son apprentissage avec Viorica Cortes et Nadine Denize. Après ses débuts dans le rôle de Bastien (Bastien et Bastienne de Mozart), Didon (Didon et Enee dirigée par Jory Vinikour) en région parisienne et dans le rôle de Dorabella(Cosi Fantutte), elle aborde ensuite le rôle titre de Carmen en France et à l’étranger ; en 1996 au festival d’Opéra de Skopje et en 1997 au Teatro Calderon de Madrid, à Troyes. Elle fait ses débuts à l’Opéra de Toulon en 1998, une institution qui l’a invitée pendant de nombreuses saisons (Tisbe (La Cenerentola), Despina (Cosi Fantutte ), Vincenette ( Mireille). Lola (Cavalleria Rusticana), Myrtale (Thais) etc. ) et fait ses débuts à l’Opéra de Limoges dans le rôle d’Hansel (Hansel et Gretel) production qui sera reprise l’année suivante à l’Opéra d’Angers. C’est encore à l’Opéra de Limoges, qu’elle a chanté Garcia dans Don Quichotte en 2008 .Elle a interprété le rôle d’ Albine (Thais) et également Geneviève (Pelleas et Melisande) à l’Opéra de Metz en 2008 . Elle a interprété le rôle de Nicklause ( Les Contes d’Hoffman) à Lyon en 2009. Elle est également très sollicitée pour les Opérettes et Comédies Musicales ( La Fille de Mme Angot, La Vie Parisienne, Orphée aux Enfers, La Mélodie du Bonheur, etc.). Dans les salles de concert, elle est soliste pour La Rhapsodie pour Alto de Brahms (direction Michel Piquemal) et de La Messe de Sainte Cécile de Haydn avec l’Orchestre de l’Opéra de Nice dans le cadre du Festival de Musique Sacrée d’ Aix en Provence ainsi qu’un enregistrement Des Enfants à Bethleem de Pierné avec l’ Orchestre de la Radio du Grand Duché de Luxembourg. Très à l’aise avec la musique de notre temps, elle a enregistré des mélodies du compositeur Jean-Philippe Goude pour l’ album Aux solitudes avec Bruno Fontaine.. Elle a également participé à une production de la pièce Dogora du compositeur Etienne Péruchon. Isaure Equilbey, mezzosoprano After studying the piano at the Schola Cantorum in Paris, Isaure Equilbey studied singing with Robert Dumé and then with Viorica Cortes and Nadine Denize. After her debuts in the rôle of (Bastien et Bastienne by Mozart), Didon (Didon et Enee conducted by Jory Vinikour) in the Paris area and then in the rôle of Dorabella(Cosi Fantutte), she then made her debut as Carmen in France and abroad, in 1996 at the Skopje Opera festival and in 1997 at the Teatro Calderon in Madrid, and also in Troyes. She made her debut at the Toulon Opera in 1998 and this Opera house has invited her regularly over several seasons : (Tisbe (La Cenerentola) Despina (Cosi Fantutte ), Vincenette ( Mireille). Lola (Cavalleria Rusticana), Myrtale(Thais) etc.). She then made her debut at the Limoges Opera in the rôle of Hânsel (Hansel et Gretel) -in a production which was also reprogrammed the next year at the Angers Opera. Again at the Limoges Opera, she sang Garcia in Don Quichotte during 2008. She sang the rôle of Albine (Thais) and then (Pelleas et Melisande) at the Metz Opera during 2008. She sang Nicklause ( Les Contes d’Hoffman) at Lyons in 2009. She has also sang in operetta and in musical comedies ( La Fille de Mme Angot, La vie Parisienne, Orphée au Enfers, The Sound of Music etc.). In the concert hall, she was the soloist for the Brahms Alto Rhapsody and the Saint Cecilia Mass of Haydn with the Nice Opera Orchestra for the Aixen- Provence Sacred Music Festival as well as a recording of Pierné’s Des Enfants Bethleem with the Radio Orchestra of Luxembourg. She has performed in many New Music works including the songs of Jean Philippe Goude for the album Aux solitudes with pianist Bruno Fontaine. She was also part of the production of the work Dogora by the composer Etienne Péruchon. Kurt Ollmann, baryton Kurt Ollmann est connu pour son enregistrement du rôle de Riff de West Side Story sous la direction de Leonard Bernstein (Deutsche Grammophon). Il a chanté Pelléas à l’Opéra de La Scala de Milan sous la direction de Claudio Abbado et Don Giovanni dans la production du metteur-en-scène Peters Sellars au festival Pepsico Summerfare.Il a également chanté aux opéras de Vienne, Rome, Bruxelles, Wexford, Santa Fe, Seattle, Washington, Los Angeles et avec le New York City Opera. Son répértoire opératique est très vaste, allant du Papageno (La Flûte Enchantée) et Harlekin (Ariadne auf Naxos) aux Valentin (Faust) et Orin Mannon (Mourning Becomes Electra). M. Ollmann a chanté avec les orchestres de Londres, le New York Philharmonic et avec des orchestres de Boston, Philadelphia et San Francisco, pour ne citer que quelques uns. Quelques autres enregistrements : Roméo et Juliette de Gounod avec Placido Domingo pour BMG, Candide et West Side Story de Bernstein et L’Heure Espagnole de Ravel sous la direction de Previn (Deutsche Grammophon). Kurt Ollmann c’est produit en récitals au Wigmore Hall à Londres, à Paris, New York et à Tanglewood ainsi que dans d’autres villes et festivals en Europe et en Amérique du nord. Grand promoteur de la musique américain, Kurt Ollmann a collaboré avec des compositeurs tels que Leonard Bernstein, Ned Rorem, Peter Lieberson, Ricky Ian Gordon et William Bolcom, Il a été un des créateurs du célèbre The Aids Quilt Songbook.. Kurt Ollmann, baritone Kurt Ollmann first came to prominence singing Riff on the Deutsche Grammophon recording of West Side Story under Leonard Bernstein. He sang Pelléas at La Scala, Milan under Abbado and Don Giovanni in the original Peters Sellars production at Pepsico Summerfare and has appeared with the opera companies in Vienna, Rome, Brussels, Wexford, Santa Fe, Seattle, Washington, Los Angeles and with New York City Opera. His operatic repertoire has ranged from Papageno (The Magic Flute) and Harlekin (Ariadne auf Naxos) to Valentin (Faust) and Orin Mannon (Mourning Becomes Electra). Mr. Ollmann has sung with the London Symphony Orchestra, the New York Philharmonic and with the orchestras of Boston, Philadelphia and San Francisco, among many others. Among his many recordings are Gounod’s Roméo et Juliette with Placido Domingo on BMG, Bernstein’s Candide and West Side Story, and Ravel’s L’Heure Espagnole under Previn on DG. Kurt Ollmann has presented song recitals at London’s Wigmore Hall and in Paris, New York and at Tanglewood as well as many other European and North American cities and festivals. A champion of new American music, Kurt Ollmann has collaborated with such composers as Leonard Bernstein, Ned Rorem, Peter Lieberson, Ricky Ian Gordon and William Bolcom and was one of the original performers of The Aids Quilt Songbook. Christel Rayneau, Flûte Christel Rayneau est depuis 1990 professeur titulaire au CNR de Versailles. Flûte solo de l’Orchestre des Concerts Lamoureux depuis 1988, elle aborde dans cette phalange le riche répertoire de l’orchestre. Comme soliste, elle est régulièrement l’invitée des orchestres suivant : Orchestres de Nancy, OPPL, Cannes Provence Alpes Côtes d’Azur, Neuchâtel, JW Audoli, Erwartung... et de Festivals : Festival de Franche-Comté, Festival Présences de Radio-France, Festival de Chinon, Choralies de Vaisonla- Romaine, Floréal d’Epinal, Festival “Arts au soleil”, Festival “Mer et vie”, Printemps musical du Perche, Festival Aspekte de Salzbourg, Annecy Festival estival, “Aujourdh’ui musiques” de Perpignan .... Chambriste passionnée, elle se produit régulièrement en France et à l’étranger, notamment au sein de l’Ensemble Hélios, trio à cordes et flûte dont elle est la fondatrice, et en duo flûte et harpe avec Anne Riquebourg ou Françoise De Maubus. De la musique baroque à celles de notre temps, tout éguise sa curiosité. Elle est lauréat de nombreux concours musicaux : Au CNSMD de Paris, un 1er prix de flûte, un 1er prix et un 3ème cycle de musique de chambre ; des prix internationaux de flûte (2ème prix du Concours Maria Canals de Barcelone, 1er prix à l’unanimité du concours du Lycéum de Berne, 2ème prix du Concours du Printemps de Prague ) ; des prix internationaux de musique de chambre (prix de sonate de Vierzon, prix du concours de musique de chambre de Paris en Quintette à vents ) Christel Rayneau, Flute Christel Rayneau has been the flute professor at the CNR of Versailles since 1990. Principal flute of the Orchestre des Concerts Lamoureux since 1988, she is well versed in the art of orchestral flute playing. As a soloist, she has performed with many orchestras (the Orchestras of Nancy, OPPL, Cannes Provence Alpes Côtes d’Azur, Neuchâtel, JW Audoli, Erwartung.....) and at many festivals ( Festival de Franche-Comté, Festival Présences de Radio-France, Festival de Chinon, Choralies de Vaison- la- Romaine, Floréal d’Epinal, Festival “Arts au soleil”, Festival “Mer et vie”, Printemps musical du Perche, Festival Aspekte de Salzbourg, Annecy Festival estival, “Aujourdh’ui musiques” de Perpignan .......) A great proponent of chamber music, she performs often in chamber ensembles in France and abroad, notably with the Ensemble Hélios, a flute quartet ensemble which she founded and in duo with the harpists Anne Riquebourg and Françoise De Maubus. Her vast repertoire goes from the baroque period to the music of our time. She has won prizes at many competitions, At the Paris Conservatory, she won a first prize in Flute and chamber music, followed by advanced studies in chamber music. She also won prizes at the Maria Canals competition of Barcelona competition (2nd prize), the Lycéum competition of Bern (unanimous first prize), The Prague Spring competition (2nd prize), The Sonata prize at the Vierzon competition and a prize at the Paris Chamber Music Competition for wind Quintet, L’Orchestre Symphonique Nationale de la Radio Polonaise à Katowice Joanna Wnuk-Nazarowa, Directeur Général et Directeur de la Programmation/General and Programme Director Alexander Liebreich, Directeur Artistique et Directeur Musical /Artistic Director Chief Conductor Michal Klauza, Le Chef Associé/The 2nd Conductor Jan Krenz, Le Chef Lauréat/The Laureate Conductor Stanislaw Skrowaczewski, Le Premier Chef Invité/The 1st Guest Conductor Jerzy Semkow, Le Consultant Artistique/The Artistic Advisor Premiers violons/First violins Piotr Tarcholik, concertmaster Rafał Zambrzycki-Payne, concertmaster Roland Orlik, concertmaster Patryk Laburda Jarosława Kosiak Grzegorz Witek Krystyna Kowalska Roch Prax Grażyna Walus-Klich Jacek Siemek Dorota Paliwoda Lucyna Fiedukiewicz Katarzyna Laburda Michał Kowalczyk Karolina Wawrzynowicz Second violons/Second violins : Antoni Nowina-Konopka Kinga Tomaszewska Jolanta Konieczny Beniamin Czech Grzegorz Bartoszek Ewa Czarnecka-Ziebura Małgorzata Bugdoł Barbara Szefer-Trocha Joanna Korcz Jolanta Sobczak-Smołka Adam Gajdosz Anita Bartłomiejczyk Marcin Josz Piotr Marcinowicz Teresa Mercik-Szopa Małgorzata Krzeszowiec Magdalena Ziętek Altos/Violas : Dariusz Korcz Tadeusz Wykurz Beata Raszewska Mieczysław Krzyżowski Włodzimierz Firlej Józef Bogacz Wincenty Krawczyk Andrzej Żydek Irena Jarosz-Marcinkiewicz Eugeniusz Mikołajczyk Joanna Tesarczyk Agnieszka Hałuzo Maria Dutka Sandra Kałuża Violoncelles/Cellos : Łukasz Frant - concertmaster Adam Krzeszowiec - concertmaster Karolina Nowak-Waloszczyk Natalia Kurzac Andrzej Burzyński Roman Hałoń Bogusław Zaremba Marek Szopa Magdalena Czech Anna Tumidajska Norbert Pióro Antoni Smołka Contrebasses/Double basses : Jan Kotula Aleksander Mazanek Krzysztof Firlus Aldemar Tamowski Michał Paliwoda Bogusław Pstraś Antoni Woźny Łukasz Bebłot Krzysztof Wąsik Flûtes/Flutes : Maria Grochowska Łukasz Zimnik Joanna Dziewior Ryszard Sojka Małgorzata Otremba Hautbois/Oboes : Karolina Stalmachowska Maksymilian Lipień Barbara Miczka Urszula Kłębek Cor anglais /English Horn : Piotr Pyc Clarinettes/Clarinets : Aleksander Tesarczyk Arkadiusz Adamski Zbigniew Kaleta Maciej Niewiara Bartosz Pacan Basson/Bassoons : Marek Barański Krzysztof Fiedukiewicz Damian Lipień Cezary Rembisz Contrebasson/Contrabassoon : Jan Hawryszków Cors/French horns : Tadeusz Tomaszewski Mariusz Ziętek Krzysztof Tomczyk Wiesław Grochowski Damian Walentek Rudolf Brudny Adrian Ticman Trompettes/Trumpets : Stanisław Dziewior Benedykt Matusik Antoni Adamus Piotr Pyda Piotr Nowak Trombones : Michał Mazurkiewicz Tomasz Hajda Jan Górny Piotr Rybicki Trombone Basse/Bass trombone : Zdzisław Stolarczyk Tuba : Jakub Urbańczyk Timbales/Timpani : Roman Gawlik Wojciech Morcinczyk Percussion : Krzysztof Jaguszewski Dariusz Brauhoff Piotr Połaniecki Michał Żymełka Harpes/Harps : Krzysztof Waloszczyk Giedre Siaulyte Piano : Piotr Kopiński Inspecteur/Inspector : Janusz Klich Producteurs d’enregistrements/Recording producers : Beata Jankowska-Burzyńska Wojciech Marzec Bibliothécaire/Librarian : Joanna Syrnicka Accords Pianos/Piano tuner : Paweł Kochanek * * * Enregistrés le 4-6 juin 2014 aux Studios de L’OSNRP, Katowice - Poland Producteur de l’enregistrement (OSNRP) : Beate Jankowska-Burzyriska Assitant producteur de l’enregistrement (OSNRP) : Wojciech Marzac Directeur artistique (projet) : Paul Wehage Préparation musicale/Chef de chant : Moyuru Maeda Éditeur graphique : Éditions de la Fabrique Musique, Lagny sur Marne - France http://www.classicalmusicnow.com Producteur exécutif : Jean-Thierry Boisseau © et P 2015 by JTBProd : http://wwwjtbprod.com Conception graphique et maquette : Eric Tartès / MySweet-Home http://www.mysweet-home.fr Photos : © Jean-Thierry Boisseau